**この記事は私が19年の音楽制作経験に基づいて、初心者の方の失敗を減らすために執筆しました**
▼このサイトはアフィリエイト広告を含みます。(クリック/タップで詳細を表示できます)
PRO.Sound Designは複数の企業と提携しており、各商品等のアフリエイト広告を含みます。当サイトを経由し、商品の申込みや購入があった場合、各企業から報酬を受け取る場合がございます。また、当サイトで紹介する商品やサービスはPRO.Sound Designの編集担当が独自の基準で評価・判断し、掲載しておりますことをご了承ください。
▼本サイトの製品価格表示について。(クリック/タップで詳細を表示できます)
本記事内の製品価格につきましては、購入を検討される方が比較しやすいよう、主要な販売先である「サウンドハウス」と「楽天市場」の販売価格を表内に掲載しています。また表内の価格表示に関しましては定期的に確認しておりますがご覧いただくタイミングによっては変動している場合がありますので予めご了承ください。加えてーカー公式サイト等から引用している価格については、メーカー希望小売価格（定価）を掲載しているため、記事内の表に記載している販売価格と一致しない場合がございます。最終的な内容については各販売ページにてご確認ください。
導入：本記事の目的
夏のコンクールや秋のアンサンブルコンサートに向けて、多くの学校が様々な工夫をしていると思いますが、どうしても強豪校やライバル校の演奏と比べると、納得行かない。でもやれることはやったのにどこが違うんだろうと悩んでいる先生方や生徒の方も多いと思います。
その違いが、F(フォルテ)などの「強弱記号」に関しての考え方1つで解決するかもしれない。と提案したら、どう思いますか？
『え？そんな訳ないじゃん。だってF(フォルテ)は「強く」でしょ？』
こう思った方、少し強く言えば「それはとてももったいない考え方」です。この点の視点を変えることによって「楽曲のイメージ」もしくは「楽曲が与えるリスニング体験」を劇的に変えることができます。本記事では、強豪校が実践している強弱の捉え方と、演奏のクオリティを底上げするための思考法を徹底的に解説します！
音楽をしっかり勉強している方であれば、「FF(フォルテッシモ)はどこを基準に制御すべきか？」までは理解している方も多いと思いますので、そこは読み飛ばしていただいて「音の「エネルギー」を理解する①：音の高低差」から読んで下さい！
少し難しい話もありますが、「楽曲の完成度を大きく向上したい」「演奏の質を根本から上げたい」という方は必読の内容になります！
是非、最後までご覧ください！
強弱記号の「基準」って何？
本記事では大切なことしか記載していませんが、その中でも最も重要な部分はこの章かも知れません。
例えば、F(フォルテ)の意味は「強く」ですが、この「強く」はどのくらいの音量を指しているか、明確な回答をできる方は多くないと思います。では、その回答ですが、
答えは「明確な強さや音量の指定は無い」です。
え？と思いましたでしょうか？
強弱記号は「相対的な強さの指標」であり、明確な回答はありません。
または、「明確な強さを定義することができない」というのが正解です。
その理由ですが、例えばですが「フルートの単体のF(フォルテ)」「グランドピアノのF」「楽曲中のF」これは同じ音量で演奏することができるでしょうか？
出来ませんよね！一部の団体などでは、音量の単位「db」を使って、大体このくらいの音量がF(フォルテ)だろうと、定義している団体はあるそうですが、全世界の共通認識として「どのくらい」という基準はありません。
では、どこから比較していけば良いの？と気になって来ますよね！早速ですが、次の章に移り、解説していきます！
FF(フォルテッシモ)はどこを基準に制御すべきか？
楽曲中で、特殊な場合を除いて、1番大きい強弱記号は「FF(フォルテッシモ)」が多いですよね！
強弱記号は「相対的な記号」という説明を先ほどしましたが、ではどこを基準に作り上げていくかという話ですが、先ず結論から記載し、次に理由を説明していきます。早速結論ですが、
FF(フォルテッシモ)は「PP(ピアニッシモ)」から逆算する
これが一番いい方法だと筆者は考えています。
理由は「ダイナミクスレンジ(音量の幅)」を増やすことが、音楽表現の幅を増やすことになるからです。
例えば、FF(フォルテッシモ)が100、PP(ピアニッシモ)0という数字に置き換えて考えます。
多くの場合、100を101にするとう言うのは難しいことが多いです。その理由は単純で100がその演奏者の最大限の「出力」だからです。
ですが、1の「出力」を0.1にコントロールすることは出来ますよね！演奏では、この「小さい単位をコントール」する方が難しいと言われていますが、出来ないことではありません。
ダイナミクスレンジ(音量の幅)が10~100の場合と0.1~100の場合では勿論表現できる幅が全く違いますから、先ずはこの「PP(ピアニッシモ)をコントールする」ところから始めてみて下さい。これだけでも演奏の表現の幅は大きく変化します。
ここまでは、音楽をしっかり勉強している方であれば、聞いたことがある話かも知れませんが、この先はもっと深い話になっていきます。
それは「音の持つ密度やエネルギーから見る強弱記号の話」です。この点が理解できると譜面上の強弱記号だけでなく、もっと深い意味で音楽を考えるきっかけが出来ますので、しっかり理解していきましょう！
音の「エネルギー」を理解する①：音の高低差
さて「音の高低差」を考える上で、大切な要素が2つあります。その2つとは
- 各楽器本体の音の高さ
- 音符の跳躍の音の高さ
この2つです。では、それぞれを細かく見ていきましょう！
①：各楽器本体の音の高さ
例えば、チューバやコントラバス等の最高音と、ピッコロやフルートの最高音では全く音域が違いますよね！では、どちらの音の方が耳に届きやすいでしょうか？
正解は「ピッコロやフルートの音の高さ」の方が耳に届きやすいです。これは高音の方が聞こえやすいという人の耳の特徴があるからですね！
ですが、これは逆に「その届きやすさ故に不快になる」ということでもあります。
例えばですが、フルートが10人いる場合、その10人の各譜面にF(フォルテ)の記載がありますよね？この10人全員がF(フォルテ)で演奏した場合、その「フレーズ」の音量はどうなるでしょうか？
これは筆者の考えですが、そのフレーズは恐らくFF(フォルテッシモ)に近い状態になると思います。
例えばそれが主旋律だった場合、恐らくサックスやクラリネット等で同じフレーズを演奏していることが多いかと思いますが、これは高周波は低周波と混ざり合うと「音の飛び抜け」を一定数押さえる効果があるからです。
本当かな？と疑問に思った方がいらっしゃいましたら、クラッシュシンバル単体で鳴らした場合と「クラッシュシンバルとバスドラムを同時に鳴らした場合」を比較してみて下さい。勿論、楽器が増えますから、音は大きく聴こえると思いますが、クラッシュシンバルの音の抜けは変わって聴こえるはずです。
一定数高音の飛び抜けが抑えられたとしても、この場合ではサックスやクラリネットの楽譜上にもF(フォルテ)の指示が出ているはずです。であれば、なおさら音量は大きくなりますよね！
先ずは、この各主旋律が「人間の耳にどう届くか」というのを理解し、その次に「その強弱記号は楽器への指示なのか、それともフレーズへの指示なのか」これを考えるようにし、楽曲の中での「楽器やフレーズの役割」で相対的な音量を決めていくことが重要です。
②：音符の跳躍の音の高さ
例えば「ドからレ」への「2度の跳躍」の場合、そんなに高低差はありませんから特に意識しなくても違和感無く聴くことが出来ますよね！
ですが「ドからラ」への「6度の跳躍」や「オクターブ跳躍」など、大きく音域が変わる跳躍の場合どうでしょうか。
これは勿論、先程の「高い音の方が耳に届きやすい」という特徴から見れば「跳躍先の音の方が耳に届きやすい」という意味もあります。
ですが、大きな跳躍は演奏者本人も音域などによっては少し「力を入れて演奏しなければならない場合」もありますよね！特にフルートで息の入れ方が変わる場合、サックス・クラリネットでオクターブキーを使う場合、金管楽器で息を細めながら強く出力しなければ音が出ない場合がそれに当てはまります。
この時、全員が少し「前の音より少し力んだ音」を出力した場合、跳躍先の音量はどうなるでしょうか？
それは勿論、跳躍前のF(フォルテ)の音よりも跳躍先の「音が大きくなる・音が抜けて聞こえる」つまりはF(フォルテ)の音量を超えることがある。ということに繋がりますよね！
本来であれば、その跳躍先の音符はｍF(メゾフォルテ)等を記載して音量を下げても良いはずですが、その記載は恐らくありません。その理由は先程も記載しましたが「そのフレーズの強弱指定がF(フォルテ)」だからです。
これら2つのことは、よく「その楽器がそのフレーズには適しているから」「音の跳躍はエネルギーを伴う」と、曖昧に指摘されますが、実はそれだけではない様々な方向のエネルギーを持つということが分かるかと思います。
ですので、先ずはこの2つの特性やエネルギーの移動から考慮し、どの様に楽器やフレーズ、各音を制御していくのを音楽的に考えることからスタートしてみましょう！
音の「エネルギー」を理解する②：音の密度
皆さん「音の密度」を考慮したことがあるでしょうか？
想像するに音の密度で指摘する・されるとすれば、「息の入りが微妙だから、音がスカスカになっている。もっと温かい音を出して」等ではないかと思います。
そのことではなく、楽曲内の音域の密度のことです。楽曲中の密度で考えてほしいことが2つあります。その2つとは、以下のものです。
- 楽曲内での音域の集中具合
- 音価
これらを詳しく見ていこうと思います。
①：楽曲内での音域の集中具合
例えば、チューバが中音域の音符を演奏する時やフルートが低音域を演奏する時、楽曲内での音域の密度は「中音域」に集中しますよね？
それが「そのフレーズではどういう意味なのか、次の楽曲の展開でどういう意味を持つのか」に意識を向けてみて下さい。
先程も記載した通り「高音が耳に届きやすい性質」「低音が高音の音の抜けをまとめる性質」があることから考えると、そのセクションやフレーズはこの2つの要素が必要ではない、つまりは
①：そのセクションで表現したいモチーフ(題材)がその楽曲の他のセクションに比べて激しくない
②：その後に楽曲内で音量が必要なセクションが来る
このどちらかではないかなと思います。逆に、ユーフォニアムやトロンボーン・ホルンがコントラバスやチューバーの音域の補助に回った時、クラリネットやサックスがフルートの音域の補助に回った時、そのフレーズはそのセクション内で「最も聞かせたい=エネルギーを持つモチーフ」か「音楽的な展開に必要なフレーズ」ということになります。
この、音域的な密度から次の展開について考慮し強弱をコントロールすることが、楽曲の質を上げる1つの手助けになります。
②：音価
音価とは：音の長さのことです
例えば、全音符や二分音符等のいわゆる「白玉」が続くような場合は、音の密度が上がりますよね！逆に、8分音符や16分音符が続くようなフレーズでは、楽曲全体での音の集合は分散的になります。
この音価による密度の違いも、次の展開やそのセクションの主旋律の意味を変える重要な要素の1つです。
中低音の音価が長いのに高音域が流動的なフレーズを演奏している時、逆に高音域の音価が長くて、中低音域が流動的なフレーズを演奏している際は、次のセクションの始めの音の強弱記号に留意し、どの様にそのセクションのフレーズやモチーフの強弱をコントロールすることが大切になってきます。
音の「エネルギー」を理解する③：ダイナミクスレンジの作り方
強弱をコントールする際に、一般的に注意していることは「強弱記号」もしくは「ドミナント・トニック」や「ツー・ファイブ・ワン」等のコード進行(和声)を意識したクレシエンドやデクレシエンドが、音楽を勉強していると気にする部分かと思います。
ですが、そもそも楽曲のダイナミクスレンジ(音量の幅)や強弱を司るのは「記号でない」ということを考えたことはありますか？
記号はあくまで、こういう具合に演奏して欲しいという「指定」であり、作曲家はそれ以前の段階で楽曲の音量の幅を表現しています。
その点から、逆算して楽曲の音量の幅を考慮するのも表現力を上げるための重要なポイントの1つです。
作曲家は強弱記号以前に、以下のポイントでダイナミクスレンジを表現しています。
- 演奏する楽器の数
- ユニゾンやトゥッティー
- 演奏のグルーブ感
この3つです。それではそれぞを詳しく見ていきます。
①：演奏する楽器の数
これは想像が簡単ですよね！
同じフレーズでも、フルートのみが演奏する場合と、フルート・オーボエ・クラリネット・サックスの4つの楽器が演奏する場合では、そもそも音量が違います。この場合、フルートのみのF(フォルテ)と4つの楽器が同時に演奏する際のF(フォルテ)は全く違う音量になります。
そのフレーズやセクションの強弱記号も重要ですが、その前のセクションと比べて、今はどのくらいの楽器が演奏しているかも重要な判断要素です。
例えば、セクションAもBも同じフレーズだけど、Bは主旋律・その他の伴奏問わず、演奏している楽器が多くなれば、それだけでも自然に音量が上がります。その時にF(フォルテ)の記号の記載があったとして、ここで「強く」を演奏してしまうと、もっと盛り上がりが必要な際に「さっきと迫力がかわらないじゃん」となりますよね。
ですので、そのフォルテは本当に記号通り演奏して良いのかを考えることも、表現力の幅を増やす1つの要素になります。
②：ユニゾンやトゥッティー
普通のセクションでは、例全楽器が演奏していたとしても、主旋律・副旋律・ハーモニー・リズムを構成するために全員が同じフレーズを演奏しているわけではありません。
ユニゾン・トゥッティーは「全員が同じ音を演奏するかしないか」の違いで、基本的には「同じフレーズ」を演奏することになりますよね！
この「全員が同じフレーズを同時に発声する」ことは「演奏する楽器数」より大きなエネルギーを生むことになります。つまり、この時点で十分にF(フォルテ)なはずです。
この部分も先ほどと同じ様に、直前のセクションや今後の楽曲展開を見据えた強弱を考えることが必要です。
③：演奏のグルーブ感
この部分では特に、リズム隊に注目して確認して欲しいところです。
これは、先程の章の「密度」とも少し関わりがある部分なのですが、例えばリズム隊が白玉の場合と、流動している場合では流動している方が、よりリズミカルになりますよね！
このリズミカルという曖昧な部分が、楽曲の雰囲気を大きく左右します。
筆者の体験談ですが、作曲の際にメロディーもコードもすごく良いんだけど、なんかイマイチだなと思った時は、このリズム隊が上手くまとまっていないということが多いです。
モチーフによって違いますが、よりリズミカルな方が高揚感や緊張感を演出できることが多い印象です。
この高揚感や緊張感という部分が、白玉の停滞的な音価よりも音量感があるように感じる場合があります。これはあくまでそのモチーフ次第になりますので、必ずというわけではありません。
ですが、前のセクションより相対的に音量感があると感じた場合は、この章の他の説明と同じく、そのフレーズや今後の楽曲の展開を考慮した強弱の調整が必要になります。
まとめ
強弱記号はあくまでも演奏の「指定」の1つです。
本記事ではそれ以前に、作曲家が考えている音量における音楽の表現方法や人間の耳の特性、音の持つエネルギーを元に、吹奏楽で良く言うところの「楽譜にはない情報」を解説してきました！
音楽には様々な表現方法がありますが、その中でも楽曲の強弱の幅(ダイナミクスレンジ)は、表現方法の中でも最も重要な要素の1つです。
この「楽譜上には無い情報」を元に、作曲家がどう表現したかったを紐解いていくことで、演奏する楽曲の完成度は大きく変わってきます。
最後にもう1つ重要な要素を話しますが、途中でも何回か記載したように、その強弱記号が「楽曲のセクションの中で必要な強弱記号」なのか「そのセクション内のフレーズにおいて必要な強弱記号」」なのか「その楽器の特性において必要な強弱記号」なのかを考えるのも重要なことです。
ダイナミクスレンジだけではなく、楽譜上には乗っていない「作曲者の意図」「楽曲の構成の部分」等の基礎部分から楽曲を研究して「音楽への基礎理解」を深めることで、差をつけていきましょう！
その第一歩として本記事の内容が有意義なものになることを願っています！
本サイトでは、本記事の様な音楽や音の「基本的な性質」に基づいた、コンクールだけでなく普段の演奏時から意識したいことを徹底的に解説した記事が多数ありますので、以下のリンクからご覧いただければ幸いです！
・録音ミスが演奏を壊す？プロが教える『スマホ録音の致命的なNG行為』と正しい置き方・録音の仕方
・なぜあのバンドは響くのか？吹奏楽の自由曲を「ホールの残響」と「倍音」から選ぶ新常識
・度数の数え方で迷わない！メジャースケールから学ぶインターバルの基本と実践的な覚え方！【楽譜を読む編③-1：メジャースケール編】
・【脱・丸暗記】コードの「数字」がわかる！ローマ数字と度数の違いをプロが徹底解説
・「何度合わせても合わない」は卒業。吹奏楽の和音が劇的にハモる“倍音”の魔法と物理的解決策
この記事が面白い、勉強になったという方は商品を検討していなくても音楽の知識を紹介している記事は他にもたくさんありますので是非他の記事も見ていただければと思います！
本記事の内容は、実際の制作・宅録環境での使用経験や、複数の機材・手法を比較した上での判断をもとにまとめています。環境や目的によって最適解は変わる為、あくまで一つの現実的な指針として参考にして下さい。
関連記事
