**この記事は私が19年の音楽制作経験に基づいて、初心者の方の失敗を減らすために執筆しました**
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吹奏楽部にとって、一大イベントである「夏のコンクール」ですが、本番に向けて実際のホールを借りて練習するなど、入念な準備を進めている学校や団体も多いのではないでしょうか。
その様な練習は、大切な要素の1つであることに間違いはないのですが、筆者はここで1つ、大きな見落としがあると考えています。それは、当たり前ですが「ホールと学校では音響特性が全然違う」ということです。
何が言いたいの？と言うことですが、ここで注意していただきたいのが特に「スタッカート」などの「音価」の管理どうしていますか？という話です！
ここで「どういうこと？」と思った方は是非本記事を最後までお読みください！本記事では「究極のスタッカート術」と題し「音価」について「作・編曲、ディレクター、ミックス」が担当分野の筆者と共に、深く考えて行こうという内容になっています！
現代ではインターネットの普及・拡大によってレベルの高い情報に誰でもアクセスできる様になったのは良いことですが、それが故に、高いレベルで皆横並びになってしまうということが起きています。こんな時代にこそ、表面的にレベルの高い情報ではなく、根本的にレベルの高い情報から表面を逆算することで、今持っている知識をより良いものに出来ます！
今年のコンクールでは、この根本の部分を見直して、バンドとしてのレベルだけではなく「音楽そのもののレベル」を上げてみてはいかがでしょうか！
それでは本題に入っていきます！
「余韻を残す」と「音を長く伸ばす」を混同していませんか？
楽曲演奏中の「ハーモニーを整える・強弱を整える・音を混ぜる」等、基本的に必要な部分は対策しているかと思いますが、その基本的なことの中に「余韻を丸く残す」というものがありますよね！「余韻を丸くして！」という指示を出したり、受けたりしている方は多いと思います。
確かに、余韻の管理は「音の印象」に大きく関わります。特に、クラシックなどのアレンジを演奏するコンクールでは「余韻を丸く残すイメージ」があると「音が豊かな印象」を受けることが多い為、注力している団体も多いと思います。
ですが、ここで「音価」が変わってしまうくらい極端な管理をしてしまっていませんか？「音価」とは単純に音の長さのことです。
「音価」の管理は、極端に言えば「リズムの管理」に直結していると言っていも過言ではないと筆者は考えています。加えてリズムは音楽の三大要素の1つですから、ここをおろそかにすると「楽曲の印象」が大きく変わってしまいます。ですので、この「余韻を丸く残すイメージ」と「音価」を調整することは分けて考えましょう！
ではなぜ、筆者がこのようなことを言うのかと言う理由ですが、それは「余韻を残すこと」と「音を長く伸ばすこと」が混同しやすいからです。
筆者も実は学生時代は吹奏楽部に所属し、サックスを演奏していました。ソロコンクールでは金賞を獲得したこともあります。その時も同じように「余韻は丸くする」という指示を受けていましたが、少し音を長めにするイメージを持った瞬間にその指示を受けなくなったことがありました。
これは「ソロ」という範囲だから許されたものの、団体で演奏する場合はこの意識を全員でぴったり合わせることが出来なければ、各音のリリース部分が分離的になってしまい「途中までは音が混ざって聞こえていたのにリリースはなんか雑に聞こえて詰めが甘い」と言うことが起こりやすいです。ですので余韻は丸く収めるのを意識するのではなく「全員がぴったりの音価で音を区切る意識を持つ」ことが大切です。先程の説明にもある様に、これは「音が混ざり合って聞こえる」と言う部分にも大きく影響します。
また、余韻は「ブツっと切れてるから悪い音」「丸い余韻は良い音」とは限りません。これの良し悪しが決まるのは楽曲の、そのセクションやフレーズでどのような音価が必要かという音楽的な部分から判断されます。
では「豊かな音」にするためにはどういうことが必要なの？と言う点ですが、これもまた定義はありません。1つ言えるのは「全員のピッチが揃っていて倍音が成分が多くなり、またその倍音に揺らぎがない場合」これは「豊かな音」として感覚的に認識されることはあります。ですが、結局のところは演奏する楽曲によって左右されます。
例えば、作曲家のモチーフが「雪国」であったとします。この場合は全員が「冷たい質感」を保った方が楽曲はより良く聞こえます。ですので、そもそも「暖かく丸みのある音」が楽曲の演奏のクオリティーを上げることには直結しないんです。
もちろん、これらを取捨選択できるように技術を磨くのは大切な事ですが、1つの観点に囚われないことが最終的な完成度に繋がることは覚えておきましょう！
なぜ指導者は「余韻を丸く」と言い続けてしまうのか？
先程の章の説明で、余韻の管理は個人の演奏者が行うものではなく、団体として、そのセクションやフレーズに合った「音価」を全員が意識して区切りを調節できることの方が重要であるということの方が大切であるということは理解していただけたかと思います。
ここで、本記事の冒頭で挙げた「ホール練習と学校での練習」の間にある落とし穴について考えていただきたく思います。ではなぜ「余韻を丸くする」と言うことをずっと言い続けるのか、それはそうした方が良い楽曲である場合でない限り、おそらくは「音楽室は吸音されているから」だと思います。
ホールには大抵「反響版」が付いていますので、仮に音を舌でぶつ切りにした場合でも少し残響が残ります。ですが、対象的に音楽室は「防音・吸音」の設計であることが多いため、ホールの残響と同じ長さの「音価」で音を聴こうとすると「その残響として聞こえていた部分を音価として再現する必要がある」ためではないかと思います。
確かにこれを「余韻が丸いイメージ」と抽象化することで、その場を何となく解決することは可能かもしれませんが、ここで「余韻を残す」と「音を長く伸ばす」ことを演奏者が混同してしまっていて、更に、それを良しとした場合、再度ホールで練習すると「残響する音が長すぎる」と感じてしまい「リリースはこういうイメージで」という、これまた抽象的なイメージでその場を解決するという、良くないループが起こってしまいます。
楽譜通りに演奏できないプロは存在しない
筆者も作曲に伸び悩んでいた際、その問題を解決する種は「音楽の三大要素」にありました。この「余韻の管理」と「音価の管理」を混同してしまうと音楽の三大要素である「リズム」を崩してしまうことに繋がりかねません。
ですので、まずは「音楽の三大要素」の意識を中心に楽曲を考えてみましょう。作曲家はこの三大要素を中心に、次に「音の調和性＝楽曲のダイナミクス(強弱)」を意識して制作することが多いです。それを指揮者や演奏者に伝えるために「音楽記号」を用いて「この様に考えて制作しました」という合図を送っています。つまり、極端に言えば「余韻が丸いイメージ」や「音の印象・音のキャラクター」は作曲者が意図していない「そのバンドのオリジナルの要素」です。
各団体の個性が違い、その個性がその楽曲とマッチしたことで評価される。という点はプロの世界においても良くあることです。例えばですが1つのゲームを開発するとした際に5曲制作したとして、その5曲の演奏団体やプレイヤーは同じ人とは限らないということです。ですので、その楽曲の演奏者として選んでもらうために自分はこの分野に強いよとアピールするために個性を磨くのは大切な事ですが、楽譜通りに演奏できないプロは存在しません。
なにが言いたいの？と思ったかもしれませんが、要するに「楽譜通りに演奏できることは大前提である」と言うことです。吹奏楽では、しばしば「楽譜に書いてない情報を読み取る力が必要」と言われることがありますが、そこに注力しすぎて、作曲者の意図している情報である「楽譜をしっかり演奏できる」と言う点を見落としてしまっていませんでしょうか？
先程も説明した通り、個性は突き詰めればその楽曲を一番良く演奏できるということにもつながるため、個性を突き詰めることを止めていいとは言いません。ですが、今年は作曲者が意図している「楽譜」の、特に「音価」や「強弱」という根本の部分を丁寧に考えることで、その個性を最大限に発揮できるように練習するというのも、他校や他団体と楽曲のクオリティーに差をつける要素として考えてみても良いのではないでしょうか！
究極のスタッカート
ここまで読んだ下さった方は、何となく想像が付いているかも知れませんね！
「余韻を残すこと」と「音を長く伸ばす(音価が長くなってしまう)」ことが混同してしまっていたとしたら、一番大きく問題が出てくるのは「スタッカート」の部分です。
スタッカートは「その音を短く切る」もしくは「歯切れよく」の様なニュアンスでとらえている方も多いかもしれませんが、実は定義があります。その定義は、西洋の音楽について扱った最大の参考文献の一つであり「世界最高峰の音楽事典」と評される「ニューグローヴ世界音楽大事典」に記載されており、内容は以下のこの2点になっています。
- 音と音を切り離して演奏すること
- 音符の本来の長さよりも短く演奏し、音の間に休止（無音状態）を作ること
この定義を元にスタッカートを綺麗に聞かせるために必要な考え方は、曲のテンポにあります。
例えば、テンポの速い楽曲の場合「余韻を残すこと」と「音を長く伸ばす」が感覚的にイコールになってしまうと、そもそも「スタッカート」のニュアンスを出すことが定義的にできなくなりますよね。ではどうするべきかですが、この場合「舌で音を区切ってしまう」のも方法の1つでしょう。
このスタッカーの定義は、後述で「現代では演奏者の音楽的なセンスに委ねられる」とあります。ですので、どのような方法でスタッカートを演奏するかは、やはり楽曲やそのセクション・フレーズ次第にはなるかと思いますが「音価を長くして良い」とは書いていません。
「余韻を残すこと」と「音を長く伸ばす」ことが混同することで「元の音価と同じくらいになってしまうこと」は「楽譜をしっかり演奏できていない」ということになります。
スタッカートが付く音やフレーズは、その楽曲の中でも特に「リズム」を決定づける重要な役割を持っています。数ある音楽記号の中でも、絶対に見落としてはいけない要素です。
だからこそ、余韻の管理は個人のプレイヤーが感覚で行うものではなく 「バンド全体として、そのセクションに合った余韻を全員が共有し、正確に区切りをコントロールすること」が大切です。
スタッカートを説明することが一番分かりやすい例えでしたが、このスタッカートを基準に「余韻の管理の仕方や、どのような余韻にするかの判断や指示」それこそが、タイトルにもある「究極の余韻の管理術」です。
まとめ
本記事では「究極のスタッカート」を題材に、実際のスタッカートから良く耳にする「余韻の管理」の方法から「音価」について考えてきました！
途中でも挙げた通り、楽曲をどのように演奏できるか、そのバンドがその楽曲にどのような要素をもたらせるかは「オリジナリティー」であり、作曲家の意図である「楽譜」を演奏できないプロはいません。
もちろん、オリジナリティーを磨くことも大切ですので練習や勉強は大変だと思います。ですが、楽曲を研究するということは「他団体のお手本デモ映像を見る」ことだけでなく、本来はこういった「音楽の根本そのもの」について知ることも含まれています。
はっきり言うと、この様な根本の要素は勉強するのが大変な上に、個人で習得や理解が出来たとしても、1つ1つは「誰でも気付くくらいの劇的な変化」はもたらしません。ですが、習得や理解できた量が増えるほど、加えて個人ではなく団体全員が共通の理解をした時は「誰でも気付くくらいの劇的な変化」をもたらします。
ですので、今年はこういった「根本の部分」から「楽譜や演奏」に対する意識を見直してみるのも1つの手ではないでしょうか！
本サイトでは、本記事の様な音楽や音の「基本的な性質」に基づいた、コンクールだけでなく普段の演奏時から意識したいことを徹底的に解説した記事が多数ありますので、以下のリンクからご覧いただければ幸いです！
・録音ミスが演奏を壊す？プロが教える『スマホ録音の致命的なNG行為』と正しい置き方・録音の仕方
・強豪校との差はココにある。表現力を劇的に変える『強弱記号の逆算思考』とエネルギーマネジメント
・「何度合わせても合わない」は卒業。吹奏楽の和音が劇的にハモる“倍音”の魔法と物理的解決策
・なぜあのバンドは響くのか？吹奏楽の自由曲を「ホールの残響」と「倍音」から選ぶ新常識
指導者・先生方・演奏する生徒の方等関係なく、今年は演奏面だけではなく音楽や音の性質根本から見直すことによって、飛躍的な成長を遂げましょう！！
この記事が面白い、勉強になったという方は商品を検討していなくても音楽の知識を紹介している記事は他にもたくさんありますので是非他の記事も見ていただければと思います！
本記事の内容は、実際の制作・宅録環境での使用経験や、複数の機材・手法を比較した上での判断をもとにまとめています。環境や目的によって最適解は変わる為、あくまで一つの現実的な指針として参考にして下さい。
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